MOUN

(note al testo)
Moun nasce da uno di quei piccoli libri dal titolo strano, che s’inizia a sfogliare distrattamente, senza nessun particolare motivo d’interesse ma che, fin dalle prime pagine, catturano inesorabilmente. Bastano solo poche frasi perché l’impreparato lettore si senta invaso da immagini potenti che, come un’eco, incominciano a risuonare dentro di lui. E quel piccolo libro, cui non si dava molta importanza, assume di colpo una dimensione altra, che lo rende preziosissimo. Tre anni fa, alla prima lettura di Moun, il libro illustrato di Rascal e Sophie, mi è successo esattamente questo: fin dalle prime pagine sono rimasto folgorato da quella storia semplice ma profondissima e ho subito capito che, prima o poi, l’avrei messa in scena. L’esodo in massa di migranti di questi ultimi mesi ha reso drammaticamente “politica” la storia che è raccontata in Moun, ma non è questo ciò che mi aveva colpito allora del libro, anche perché non amo particolarmente trattare, nei miei spettacoli, temi legati all’attualità. Ciò che mi aveva colpito era piuttosto quel guardare dentro una tragedia umanitaria per scorgervi una delle tante piccole tragedie umane, come a volerci dire che queste (le tragedie) non sconvolgono masse indistinte e senza volto ma i singoli individui e le “esistenze” che le compongono. Ma ciò che mi aveva ancora di più colpito era il contrasto tra quell’inizio dai toni quasi biblici e quel finale intimo e poetico, come a volerci dire che alle bruttezze e storture del mondo si può rispondere anche con la forza di un piccolo gesto d’amore e di come le piccole storie possono essere anche più forti della grande Storia. Ho scoperto molto dopo che la parola moun significa, nella lingua creola francese, “persona” e che questa deriva dal francese “monde”, mondo. Una persona nel/del mondo, mi è venuto da pensare, così com’è la nostra protagonista Moun. Una piccola persona, ma non per questo meno persona, che si trova a fare i conti con una sofferenza causata dal suo essere vittima incolpevole del devastante conflitto che sconvolge il mondo nel quale è nata. Per lenire il suo dolore Moun ha bisogno di sapere “perché”: non “perché la guerra?” ma “perché mi hanno abbandonato?” Non sono dunque politiche le risposte di cui Moun ha bisogno, ma esistenziali, ed è per questo che le cerca dentro di lei fino a capire e accettare che anche l’abbandono può essere un gesto d’amore e che per questo va ricambiato. Sono convinto che, anche se tanti sono i temi contenuti in questa storia (l’abbandono, l’adozione, la nostalgia e la costruzione di sé, etc.), più di tutto Moun ci parli di speranza: quella che spinge i genitori di Moun a metterla in una scatola e ad abbandonarla all’oceano e quella che fa accettare, alla nostra piccola protagonista, il loro doloroso gesto. Quella speranza senza la quale vivere è un’impresa quasi impossibile.

(note alla messinscena)
Nel momento stesso in cui ho deciso che avrei tratto uno spettacolo da Moun sapevo già che questa storia l’avrei fatta narrare da un unico interprete: un’attrice al centro della scena per raccontare di una persona al centro del mondo. Non potevo trovare miglior nucleo tematico per sviluppare il percorso iniziato con Piccolo Asmodeo, Donna di Porto Pim e Embla (con il Dockteatern Tittut di Stoccolma), alla ricerca di una figura di dalang moderno pienamente figlio della tradizione occidentale; un performer unico, interprete e animatore di tutti i ruoli, cuore e anima della scena. Molte sono le scelte di messinscena che accomunano Moun con le precedenti esperienze sopra ricordate: l’uso drammaturgico del doppio piano narrativo e dialogico; l’intreccio continuo di diversi statuti d’animazione (dell’attore, della sagoma, dell’ombra); l’utilizzo di dispositivi proiettivi e di tecniche di manipolazione “anomale”, la presenza costante del performer davanti allo schermo. In Moun vi è un a priori drammaturgico che impone una scelta di sobrietà e da qui i pochi ed essenziali dispositivi proiettivi e il loro altrettanto essenziale corredo di tecniche di manipolazione. Questa semplicità nella creazione dell’immagine d’ombra è compensata dalla presenza di momenti di danza che arricchiscono ulteriormente il bagaglio di linguaggi messi in campo dal performer. La storia raccontata ci giunge da lontano, attraverso immagini d’ombra colorate, fisse, e proiettate da dietro lo schermo (dove poi ritornerà alla fine) e arriva davanti, luogo del presente scenico, dove si svolge. Stati luministici intermedi, di controluce, mediano il passaggio tra un tempo/spazio e un altro, tra l’immagine di luce e quella d’ombra che, inizialmente immateriale, prende progressivamente corpo e si sostanzia e sdoppia nell’oggetto sagoma che, trattato ad acquerello, occupa delicatamente la scena. Il corpo del performer, portatore di una fisicità sia esuberante (con la personificazione dei personaggi e la danza) sia contenuta (con la narrazione e l’animazione) si fa a volte, esso stesso, silhouette, per essere assorbito dall’immagine e diventare totalmente parte di essa.